Olga Ravchenko, Maria Akishina Anteprime mondiali: “The Voice of Atlantis” e
“Road Elegy” del compositore Igor Evard
Nel prossimo futuro sono attese le prime mondiali di una sinfonia e di una suite sinfonica di Igor Evard, uno dei sinfonisti più interessanti del nostro tempo che combina organicamente nella sua opera sinfonica il dramma e il potere della generalizzazione filosofica con problemi rilevanti per la realtà russa moderna, col sistema nazionale di immagini e intonazioni Igor Evard è un rappresentante di spicco della musica accademica moderna, vincitore di premi prestigiosi, membro dell’Unione dei compositori della Russia e una figura onorata nella società musicale. Il suo lavoro combina organicamente tradizioni classiche e tendenze moderne, trovando una risposta tra il pubblico più vasto. Igor Evard è diventato famoso per il suo lavoro nel genere del crossover classico: una simbiosi in filigrana tra le migliori tradizioni accademiche e la musica moderna. Nel bagaglio creativo del compositore le opere sperimentali convivono con le opere accademiche monumentali e la creatività musicale convive con clip e un cortometraggio di Igor Evard. Le attività di Igor Evard sono molteplici e la sua biografia è ricca di eventi e colpi di scena non banali. La pagina editoriale in essa non è casuale: dal 1991 Evard ha lavorato come giornalista musicale, è stato presentatore ed editore musicale alla Smolensk Radio ed è membro dell’Unione dei giornalisti russi. All’inizio di questo secolo, Igor Evard è riuscito a creare un nuovo giornale musicale, “We Play from the Beginning”, di cui è stato redattore capo sin dal suo inizio. Il contenuto del giornale è in gran parte dedicato a questioni di educazione musicale e pedagogia, poiché Evard è stato impegnato nell’insegnamento per molti anni, e il suo interesse per questo tema è abbastanza comprensibile: ha insegnato chitarra classica, e dopo aver difeso la sua tesi di dottorato in filosofia scienze ha insegnato filosofia ed estetica all’Università umanistica di Mosca, è stato direttore della Scuola di Creatività di questa università. Grazie alle sue capacità organizzative ed educative, Igor Evard ha creato e diretto i concorsi internazionali di musica contemporanea “Compositore XXI”, il festival del violoncello e il concorso di romanticismo classico, ma al concerto del suo anniversario nella Sala Svetlanov della Casa Internazionale della musica di Mosca l’attenzione principale è stata dedicata sulla sua attività del compositore. Originario di Vilnius e diplomato all’Istituto minerario di Leningrado, ha ricevuto la sua educazione musicale in età avanzata presso l’Istituto di Cultura della capitale russa, e il suo mentore è stato il famoso compositore Efrem Podgayts, il creatore del proprio universo di suoni, melodie e armonie, un autore dallo stile estremamente individuale e facilmente riconoscibile. Il principio Prokofieviano, molto forte in Podgaets, si sente anche in Igor Evard, la cui musica è caratterizzata da ricchezza melodica, raffinatezza armonica e ritmica e d`audacia. Ma allo stesso tempo, il compositore non esce dal quadro della musica tonale e può offrire qualcosa di nuovo e inaspettato in un continuum sonoro confortevole per l’ascoltatore di massa. Un’altra caratteristica distintiva della musica di Evard è la sua espressione brillante e il suo dinamismo: temi musicali rapidi, a volte allegri, a volte allarmanti si sviluppano liberamente, come un volo di fantasia, raggiungendo rapidamente vette culminanti, deliziando l’ascoltatore con un’estasi luminosa. Nell`opera di Igor Evard convivono musica sinfonica accademica seria e crossover classico. Il primo si distingue per la ricchezza di temi tematici e la capacità del compositore di lavorare con la forma, creare mondi sonori interessanti e ottenere uno sviluppo e una risoluzione non banale e talvolta inaspettata delle idee musicali. Il crossover classico, con tutto il tocco di varietà, che si incarna nella dipendenza dalle melodie e dai ritmi vocali e di danza di tutti i giorni, così come nell’uso di un microfono dai cantanti, ha ancora una chiara connessione con le idee classiche sulla materia musicale. E quindi, non esiste un divario insormontabile tra i primi e i secondi, tanto meno una contraddizione: sono armoniosamente collegati nell’opera di Evard, e sono generalmente percepiti come il messaggio unitario dell’autore alla “città e al mondo” nella sua estetica. Le opere di “serietà sinfonica” eseguite dall’Orchestra Sinfonica Accademica Statale di Mosca (diretta dal maestro Nikolai Khondzinsky) includono le poesie “Il risveglio della Terra”, “Il canto didi Tabornaya Gora”, “Il Santo Satiro”. Come ha sottolineato il presentatore del concerto Artyom Vargaftik, il lavoro di un compositore moderno è impensabile senza il dialogo con i titanici compositori del passato, quindi non è un caso che in queste opere di Evard si possano sentire echi dei mondi sonori di Mahler, Stravinsky o Debussy. Ma allo stesso tempo, come credeva il grande narratore di musica e il grande insegnante di compositori e musicisti Rimsky-Korsakov, l’alto eclettismo, l’esperienza creativa e la “rielaborazione” dell’intera precedente esperienza musicale dell’umanità e la sua rifrazione nelle proprie composizioni non solo è possibile, ma anche a malapena è l’unica vera via nello sviluppo dei compositori. “Il risveglio della Terra” è un poema sinfonico di Igor Evard, il cui nome dà origine a molte associazioni e immagini nella mente. Ancor prima dei primi suoni dell’orchestra, il background personale di ogni ascoltatore crea un diverso assaggio della musica futura: sarà un’immagine cosmica della nascita del pianeta, una tela minacciosa e solenne sulla creazione divina del mondo, o una scena della rinascita primaverile della natura. Il materiale di intonazione del poema cattura immediatamente l’attenzione: l’ostinato ritmico dei strumenti a fiato in legno, il potente tema espressivo degli strumenti in ottone, la linea di in rilievo degli strumenti a percussione sono sostituiti da una misteriosa pausa orchestrale e da un appello nascosto di gruppi di strumenti. La tecnica di tale subito crea l’impressione di un “montaggio” quasi cinematografico con un’alternanza di inquadratura generale, visione dall’alto e avvicinamento ai dettagli di questo panorama musicale. Al centro della composizione in tre parti, un’immagine lirica viene alla ribalta con il suono incredibilmente delicato del duetto di arpa e marimba sullo sfondo degli strumenti a corda bassi e insinuanti. L`accumulo dinamico e di registro porta alla culminazione: un tutti orchestrale con il ruolo principale degli strumenti in ottone giubilanti che creano l’immagine di un oceano in tempesta primordiale. Il poema “Il risveglio della Terra”, toccando i temi dell’unità tra uomo e natura, è combinata con sfumature filosofiche. La musica di Igor Evard invita gli ascoltatori non solo a godersi i paesaggi sonori, ma anche a pensare al significato del risveglio della natura come metafora della crescita personale e spirituale. Il poema sinfonico “Il canto di Tabornaya Gora” è dedicato ai tragici eventi della Grande Guerra Patriottica. Tabornaya Gora si trova vicino a Smolensk, oggi è un complesso commemorativo in memoria delle vittime del fascismo. Durante la guerra, durante l’occupazione della regione di Smolensk, in questo luogo fu organizzato un campo di concentramento con un crematorio, dove furono uccise migliaia di persone. Nel poema sinfonico, due temi principali diventano l’incarnazione dell’immagine della morte e dello stile di vita, la vittoria sulla morte. Dopo un’introduzione breve, cupa e deprimente, suona un tema nel genere della tarantella, danza della morte. Il secondo tema contrastante, un meraviglioso esempio di stilizzazione della musica popolare ebraica da parte dell’autore, viene ascoltato per la prima volta da un violino solista e coinvolge gradualmente nel suo sviluppo tutti i gruppi di strumenti dell’orchestra.
Una svolta compositiva avviene nel momento del tutti più potente: le striscianti intonazioni cromatiche degli strumenti in ottone penetrano gradualmente nel tema nazionale e lo assorbono gradualmente completamente. Il confronto tra due sfere radicalmente contrastanti raggiunge il limite, e questo porta l’ascoltatore a un nuovo livello di comprensione: non ci sono più solo eroi di personaggi diversi, questi sono già temi-simboli del bene e del male globale e della loro eterna lotta fra di loro. Dopo una tale intensità emotiva, il finale del poema è quanto più trasparente e distaccato possibile: sullo sfondo del tremolante tremolo degli strumenti a corda, le repliche del violoncello e del fagotto suonano come due frasi di preghiera per tutte le vittime innocenti della guerra. Il poema sinfonico “San Satiro” è un eccezionale esempio di sinfonismo programmatico del XXI secolo. L’opera è basata sull’omonimo racconto di Anatole France, che racconta le tentazioni che perseguitano il prete italiano Fra Mino. “San Satiro” è stato scritto nello spirito della tradizione sinfonica russa della fine del XIX e dell’inizio del XX secolo. In un vortice sonoro mozzafiato, lampeggiano le intonazioni riconoscibili dei predecessori creativi del compositore: Rimsky-Korsakov, Scriabin, Lyadov, Stravinsky. Nel poema sinfonico di Igor Evard non c’è immediatezza che attragga la musica a programma, l’autore opera liberamente con sfere figurative, disegnando i contorni della trama francese, ma senza cadere nella rivisitazione della fonte originale. È interessante notare che nella strumentazione del poema un ruolo speciale è assegnato agli strumenti a fiato in legno solisti e all’arpa, che sono menzionati più di una volta nella storia e sono “simboli sonori” del mondo spettrale di ninfe e satiri. Uno dei culmini può essere giustamente considerato una cadenza per batteria, dove i ritmi moderni acquisiscono inaspettatamente le caratteristiche di un’affascinante danza rotonda antica. Il finale del poema è sorprendente: dopo il crescente estatico tutti, la coda pastorale è l’ultimo sguardo del Satiro, i cui “occhi videro la fioritura della giovinezza del mondo”. I crossover di Evard “Time” “Camino”, “Starlight”, “Rainbow bridge”, “Amistad” sono stati eseguiti da soli o in duetti dai soprani Elizaveta Narsia ed Ekaterina Smolina, dai tenori Sergei Pisarev e Valery Makarov. All’esecuzione delle composizioni ha preso parte il Coro Yurlov. Le composizioni sono state eseguite in quattro lingue: russo, spagnolo, inglese e latino: tutte sono caratterizzate da una qualità preziosa e assolutamente necessaria nella musica pop: melodismo brillante e memorabile. Per la presentazione di queste opere (e quasi tutte le opere eseguite nella serata dell’anniversario sono prime mondiali), il compositore sceglie le voci di cantanti accademici piuttosto che di cantanti pop: dalla voce piena, belle, timbricamente ricche, abili e facilmente in grado di affrontare eventuali difficoltà tecniche. Evard sembra dirci: anche nei generi leggeri possono regnare bellezza ed estetismo, e non solo ritmi fastidiosi, melodie primitive, testi mostruosi e voci brutte, a volte semplicemente non condition! Con la sua creatività, il compositore eleva ad alto livello i generi leggeri, arricchendoli con gli inesauribili tesori contenuti nella musica classica. Igor Evard è fiducioso che solo le persone veramente coraggiose possano “tuffarsi” nell’ignoto, senza un reddito stabile e un tetto sopra la testa, combattendo le critiche esterne e le proprie insicurezze e paure interne. Ma queste persone hanno fiducia nell’Universo, dal quale il sostegno arriva sempre al momento giusto. La musica di Igor Evard, che ha già ottenuto il riconoscimento del pubblico russo, è una storia sulla forza e il tempo, sull’amore e sul dolore, sulla caducità di un momento che sfocia nell’eternità. Nel prossimo futuro, gli spettatori potranno assistere a una prima assoluta: un incontro con la musica profonda e sfaccettata dell’autore, che incarna la filosofia dell’esistenza umana. Igor Evard presenterà la sinfonia “La Voce di Atlantide” e la suite sinfonica “Road Elegy”. La sinfonia “Voice of Atlantis” occuperà un posto speciale nel lavoro orchestrale del compositore. La sinfonia, essendo uno dei generi più complessi e sfaccettati della musica classica, ha una storia lunga e ricca ed è una parte importante dell’educazione musicale e del patrimonio culturale. Il passaggio a questo genere nel XXI secolo contribuisce alla sua conservazione e divulgazione tra le nuove generazioni di ascoltatori. La sinfonia richiede un alto livello di abilità e creatività, e la sua creazione richiede una profonda comprensione della struttura, dell’armonia e dell’orchestrazione, rendendo il genere una vera sfida per i compositori moderni. Per Igor Evard, il genere sinfonico è organico: è una continuazione delle sue ricerche filosofiche, pensieri sull’essenza del mondo, sui modi per comprenderlo e, quindi, svilupparsi spiritualmente, elevandosi al di sopra della vita umana ordinaria, incarnata nella musica. Nella sinfonia “La Voce di Atlantide”, attraverso una metafora di un’antica civiltà scomparsa, viene toccato il tema dell’inesorabile scorrere del tempo e della fugacità delle nostre vite rispetto al maestoso progresso di intere epoche storiche. La sinfonia è stata scritta in tre movimenti per una tripla orchestra sinfonica. Seguendo l’immagine indicata nel titolo, l’ascoltatore è immerso in un’epica narrazione musicale. Il tema marittimo dell’opera costruisce un arco figurativo con il più grande sinfonista-marinista del XIX secolo, N.A. Rimsky-Korsakov e le sue opere iconiche in quest’area: le opere “Sadko” e “Il racconto della città invisibile di Kitezh”. Tradizionalmente, la sinfonia utilizza tecniche speciali di suonare strumenti a fiato e ad arco (frullato, armonici), il ruolo principale appartiene agli strumenti a fiato, conferendo a molti temi un suono leggendario e maestoso, e l’inclusione di un’arpa, un corno inglese e una composizione ampliata di percussioni nell’orchestra permettono di parlare dell’uso del colore da parte del compositore come uno dei modi per sviluppare materiale tematico. Le parti estreme della sinfonia hanno una composizione sorprendentemente organica. Diverse ondate di sviluppo terminano con culminazioni trionfanti e il movimento in terzine crea l’effetto di continua pulsazione ritmica e ansia contenuta. Nella massa crescente del suono sinfonico, un lampo luminoso irrompe nel “richiamo” dell’insieme di corni e tromboni, nelle acute scintille squillanti dello xilofono e nel tremolo nascosto dei timpani, nel contesto della sfera figurativa della sinfonia, forse a simboleggiare uno sguardo allo stato antico nascosto nella colonna d’acqua. La seconda parte – il centro lirico – cattura l’attenzione con il gioco di nuovi timbri. Il duetto di clarinetto e corno inglese con il leggero accompagnamento di arpa e corni “cresce” gradualmente con nuove voci orchestrali, rivelando all’ascoltatore le misteriose e seducenti profondità del mare. La linea polifonica della seconda parte è ripresa anche dal tema principale del finale. Il culmine del movimento e dell’intera sinfonia è un suono orchestrale completo, che copre una vasta gamma dai controfagotti e contrabbassi fino al movimento scalare nei registri estremamente acuti del resto dell’orchestra. Questa tensione porta all’apoteosi e all’esecuzione giubilante e brillante del tema con un accompagnamento abbagliante di armonie di colori maggiori-minori. La suite sinfonica “Road Elegy” è un eccellente esempio del tono di comunicazione personale e confidenziale tra il compositore e il pubblico: si ha l’impressione di una calda conversazione sullo sfondo degli infiniti paesaggi russi che si allontanano e di una discussione confidenziale di ricordi preziosi per l’autore. “Road Elegy” sono le quattro vedute di un viaggiatore delle scene fuori dalla finestra. Il suo mondo figurativo, ovviamente, eredita la semantica del tema del percorso e del viaggio, che rimanda l’ascoltatore attento alla “Winter Reise” di Schubert e alla prima sinfonia di Čajkovskij. I sottotitoli proposti dal compositore alle parti della suite non impongono in alcun modo una percezione specifica della musica, ma servono piuttosto da guida, guidando l’immaginazione e creando connessioni associative che possono arricchire l’esperienza di ascolto. La prima parte della suite “Alba” si apre con il tema vero e proprio del viaggio.
La melodia della canzone del fagotto con il contrappunto dei violoncelli sullo sfondo di strumenti a fiato ariosi crea l’immagine di una strada vuota che si estende in lontananza. Sviluppandosi, il tema viene trasferito da strumento a strumento, aggiornato e dipinto in nuove tonalità. La seconda parte – “La casa abbandonata” – è un piccolo schizzo paesaggistico. Sembra che il viaggiatore, vedendo una casa solitaria vuota, ricrea in essa scene della vita precedente. In questo contesto, strumenti a fiato solisti con accompagnamento insinuante di stumnti a corda, esplosioni emozionate di passaggi con fermate premurose e un sublime culminazione tragica sul tema dell’epigrafe acquisiscono particolare espressività in un contesto del genere. Il prossimo schizzo del viaggiatore è un umorismo incredibilmente affascinante e toccante: “L’asino e le api”. Non sorprende che in questa parte venga in primo piano la visualizzazione del suono, che enfatizza con molto successo le caratteristiche dei “personaggi”. Grazie alla precisione dell’intonazione del compositore, questa parte non necessita di ulteriori chiarimenti sulla trama, ogni ascoltatore può facilmente immaginare tutte le vicissitudini del rapporto tra i personaggi principali. Il finale della suite – “Waltz” – è un brillante completamento virtuosistico dell’intero ciclo. Oltre all’inizio della danza vera e propria, il genere del valzer è un simbolo di gioia, vita e celebrazione. Il timbro dell’arpa, i turbini impennati di clarinetti e flauti, la tonalità maggiore pura e brillante che lavora in armonia, creano una sensazione di volo e libertà, come se sollevassero l’ascoltatore al di sopra della vita di tutti i giorni e lo immergessero nel mondo dei sogni e dell’ispirazione. Le composizioni sinfoniche su larga scala di Igor Evard sono un viaggio in un mondo speciale in cui l’appassionata agitazione emotiva, gli alti e bassi, i forti contrasti espressivi sono presentati in una forma costruttivamente chiara, armoniosa e completa, che ci fa ricordare la disciplina di pensiero veramente beethoveniana e la volontà di unità. Un’altra immersione nella galassia sinfonica creata da Igor Evard attende i suoi spettatori.
Olga Ravchenko
